Это одна из картин большого проекта «Приобщение свету», который раскрывает религиозную тему в светском искусстве. Специалисты Нацгалереи в преддверии выставки рассказали БНК, чем рафаэлевская Дева Мария отличается от других, объяснили ценность копий шедевров и что учреждение еще готово показать зрителю 10 июня.

Как напомнила экскурсовод Ася Коканина, Рафаэль Санти, жил на рубеже XV – XVI веков. Он был красивым, добродушным и располагающим к себе мужчиной, что несомненно помогало в поиске заказчиков. Во многом он как профессионал вырос на работах Микеланджело и Леонардо да Винчи: перенимал и перерабатывал их композиционные и стилистические особенности. Увидеть это можно по картине «Мадонна в кресле» начала XVI века.

— С какой нежностью он их преподносил! Она смотрит на нас как заботливая мать, ребеночка приобнимает очень нежно, — поделилась Ася Коканина.

Сама композиция закруглена по правилу золотого сечения, в центре которого — Иисус. Это показывает мировое устройство, когда все находится в гармонии, поделилась экскурсовод.

Вообще Рафаэль любил изображать Мадонну, его картин с Девой Марией более 40. Нередко рядом с ней и младенцем художник рисовал еще и Иоанна Крестителя. Он по Евангелие старше Иисуса и крестил его, но художник показывал его тоже младенцем. Над головами героев есть легкие нимбы, как бы намекающие на святость.

— Эпоха Возрождения отличается тем, что она делает святых человечнее. Ранняя иконопись — это изображение мира божественного, и человек стремится в этот мир через икону. А в эпоху Возрождения человек становится вровень с богом. Реальный мир становится более осуществленным, а герои — более объемными. Академическое искусство полностью складывается из канонов эпохи Возрождения.

«Мадонна в кресле» нарисована в так называемый римский период художника: на Деве Марии одежда именно римской крестьянки. Она традиционно одета в облачения синего, аквамаринового оттенка. Это символ неба и божественности, как и золотой цвет одеяния младенца. Но это не единственная причина выбора красок.

— Аквамарин пришел добывался только в Индии. Пока его довезут до Европы, он уже подорожает в миллионы раз сильнее, он был один из самых дорогих в мире. Поэтому Мадонну и Христа и рисовали в самые дорогие цвета, — объяснила Ася Коканина.

На выставке представлена копия рафаэлевской картины, сделанная в середине 19 века малоизвестным художником Пизани Луи и хранящаяся в Нацгалерее. Как заявила экскурсовод, это тоже можно считать искусством.

— Копиисты тоже ценились. Шедевр хотелось видеть не только в Италии, им владел один человек, который допускал до коллекции избранных. Особо хорошо сделанные копии были в цене, — подчеркнула Ася Коканина. — Почему еще копии нужны? Таким образом художники постигали мастерство рисования. Один из этапов обучения в академии — это копировка.

Работа Пизани Луи — это по сути уникальная копия, которая передает нюансы полотна и техники. По ее словам, у копиистов были даже этические правила: копии не должны быть идентичны оригиналу, нужно менять хотя бы масштаб.

В залах Нацгалерее есть и работа другого художника эпохи Возрождения Чезаре да Сесто «Святое семейство со святой Екатериной» (тоже копия 19 века, сделанная Денисом Шелудковым). Мадонна тут уже более отстраненная, держит младенца немного поодаль. Вместе с ними два других героя. Первый — муж Девы Марии Иосиф, его опознают по трости в руках. Вторая — святая Екатерина, узнаваемая по колесу, орудию пыток, которым и подвергали мученицу.

— Сначала думали, что это картина Леонардо да Винчи. Но потом выяснилось, что это Чезаре де Сесто, потому что он расписывал один алтарь, и там Иисус с Марией такой же, — объяснила Ася Коканина. — Он ученик Леонардо да Винчи, отчасти перенимает у него… Некоторые персонажи у него тоже немного насмехающиеся, но Чезаро усиливает это.

Работы эпохи Возрождения — это лишь малая часть всей огромного проекта «Приобщение свету», подчеркнула его куратор Ольга Орлова. Идея выставки — рассказать посредством изобразительных форм: живописи, графики, скульптуры — как художники обращались к вере, приобщались свету.

Один из залов будет посвящен Стефану Пермскому: выставка приурочена к 630-летию со дня преставления крестителя Коми края. Представят и старинные иконы, переданные по благословению митрополиты храмами республики, например, сретенским мужским монастырем. На некоторых работах лики немного закрашены синей краской, это следы советского периода.

Многие светские картины делались в постсоветский период, они выделяются непохожестью на академические работы своей нереалистичностью, грубостью форм. Тут Стефан Пермский нередко предстает как простой человек, монах.

В другом зале покажут современные церковные облачения, созданные санкт-петербургской мастерской и показывающие симбиоз старых традиций и современных решений. Правда, и стоимость соответствующая, до 200 тысяч рублей. На стенах этого зала висят изображения апостолов московской художницы Ксении Дроновой. Обращает внимание Иуда, которого разместили поодаль от остальных. У него нет нимба, а лицо спрятано ладонями.

— В храме взгляд — это то, что ведет человека в Царствие небесное. А Иуда как бы отрекся… Он не должен смотреть на зрителя, и зритель не должен смотреть на него, — рассказала Ася Коканина.

К залу с современным искусством ведут работы советского периода. Написание святых образов было запрещено, поэтому художники «прятали» их в натюрмортах, «приглушали».

Среди неканонических, современных работ — «Бегство в Египет» санкт-петербургского художника-нонконформиста Вячеслава Забелина (ВИК). Мадонна с младенцем в традиционном облачении едет с младенцем на ослике, сопровождает ее Иосиф. В то же время на картине угадываются и распространенные символы Египта с фараонами и пирамидами, и римские солдаты, и гвозди, которыми забьют Христа на кресте, и вифлеемские младенцы. Такое интеллектуальное искусство требует от зрителя знание культурного контекста.

Алексей Баталов